월트 디즈니의 편지 - 픽사대학 설립에 영향을 준 편지 원본글 번역

 

 

 픽사(Pixar)는 토이스토리, 몬스터주식회사, 니모를 찾아서, 인사이드 아웃 등등 전세계 전연령으로부터 사랑받는 애니메이션 제작사이다. 픽사는 세계에서 가장 창의적인 회사로도 유명한데 그 창의성을 키운 방법을 엿볼수 있는 자료가 도서 『픽사 웨이 Innovate the Pixar Way』이다. 리딩 컨텐츠 기업에 대해 쉽게 풀어쓴 재밌고 술술 읽히는 책이다.

 

 『픽사 웨이』를 읽어보면 픽사의 창업자들이 기업의 창의성을 높이기 위해 '픽사대학(Pixar University)'을 설립한다. 디즈니에서 근무했던 경험이 있던 창업자들은 기업의 창의력을 증대시키기 위해 많은 종류의 사내교육을 실시하고 있는데 그 아이디어는 디즈니에서 왔다. 창업자들은 월트디즈니(Walt Disney)가 1935년에 돈그래함(DON GRAHAM)에게 보냈던 편지로부터 큰 영감을 얻었다고 한다.

 

 해당 자료의 내용이 궁금했는데 한글로 되어있는 자료가 아무리 검색해도 나오지 않아서 번역기의 도움을 받아서 영문을 간단히 번역했고 아래에는 원문도 병기하였다. 주요 내용은 굵은 표시를 해두었다.

 

편지 내용이 엄청 긴데 요약하자면

애니메이터에게 필요한 능력을 기르기 위해서 디즈니학교를 만들어야 하는데

거기서 다양한 컨텐츠를 체게적으로 가르쳐서 좋은 애니메이터를 만들어야 한다는 내용이다.

 

혹시나 픽사웨이를 읽고 나처럼 궁금해하는 사람이 있다면 도움이 될까해서 정리해보았다.

 

---

 

 

돈그래햄에게 월트디즈니가

1935

 연휴 직후, 저는 여러분과 함께 모여서 어린 애니메이터들을 위한 매우 체계적인 교육 과정을 만들고 싶고, 또한 나이든 애니메이터들을 위한 접근방법의 개요를 설명하고 싶습니다.

 현재 우리의 몇몇 기성 애니메이터들은 많은 것들이 부족합니다. 그리고 저는 이 사람들이 부족한 것들을 배우고 습득할 수 있도록 일련의 과정을 마련해야 한다고 생각합니다.

당연히 애니메이터들이 알아야 할 가장 중요한 것은 그림을 그리는 방법입니다. 그러므로 우리는 그림 그리기 수업을 잘 해야 할 것입니다. 하지만 돈, 기억해야 할 것은, 그림 수업에서 좋은 성적을 내고, 여러분의 관점에서 볼 때, 이 사람들은 애니메이터로서의 성공에 매우 중요한 어떤 다른 단계에서는 부족하다는 것입니다.

저는 사람들이 더 이론적인 보완보다는 실제적인 문제를 다루는 수업에 훨씬 더 쉽게 반응한다는 것을 발견했습니다. 따라서 이러한 수업들을 실제적인 접근법을 염두에 두고 진행함으로써 이러한 사람들에게 어필하는 것이 매우 좋은 생각이라고 생각합니다. 다시 말해서, 이 수업에서 사람들이 그들이 배우고 있는 것을 즉시 실제적으로 적용할 수 있다는 것을 보여주도록 하세요.

페기, 프레드 무어, 햄 러스크, 프레드 스펜서가 한 회담은 참석자들로부터 열렬히 환영을 받았습니다. 이 강연 직후 저는 애니메이션의 큰 변화를 보았습니다. 일부 사람들은 업무 처리와 시기를 거의 100% 개선했습니다. 이것은 미래에 적절한 교수법을 지향하는 것으로 생각합니다.

절차의 한 방법으로 다음과 같은 일이 나에게 일어납니다.

최신 사진을 찍으십시오. 모든 비즈니스, 액션 및 결과를 자세히 분석하여 다음과 같은 질문을 염두에 두고 그림에서 볼 수 있는 더 나은 애니메이션을 예로 들 수 있습니다.

1. 어떤 아이디어를 제시했습니까?
2. 그 아이디어는 어떻게 제시되었나요?
3. 어떤 결과를 얻었습니까?
4. 이 결과를 본 후 - 이 시점부터 사진을 개선하기 위해 어떤 조치를 취했을까요?

참석자 입장에서 토론을 권해 보세요; 가능하다면, 몇몇 애니메이터들에게 그림에서 직면했던 문제들과 애니메이터 자신이 애니메이션을 다시 할 기회가 있다면 어떻게 할지에 대해 이야기하도록 하세요.

저는 이 수업들이 모든 애니메이터들에게 발표될 수 있도록 결합될 수 있다고 믿습니다. 어리고 나이든 모든 애니메이터들에게 말이죠.

중요한 순서대로 애니메이터의 자격 목록을 작성한다면 나쁘지 않을 것입니다. 그리고 이 모든 사람들은 애니메이터가 되기 위해 필요한 것을 볼 수 있었고, 그들이 원하는 완벽함에 얼마나 가까이 다가가는지 그들 스스로 확인할 수 있었습니다.

목록은 애니메이터가 그리는 능력에서 시작해야 합니다. 그런 다음, 액션을 시각화하여 도면으로 분해하고 동작의 메커니즘을 분석할 수 있습니다. 이 시점부터, 우리는 그의 캐리커처 액션 - 자연스러운 인간의 행동을 취하고 과장된 우스운 면을 볼 수 있는 - 그 행동을 보는 사람의 마음에서 만들어지는 효과나 착각을 예상할 수 있는 능력에 도달하게 됩니다. 애니메이터가 감각을 연구하고 감각 뒤에 숨은 힘을 느낄 수 있는 것도 중요합니다. 감각을 투사하기 위해서죠. 이것과 함께, 애니메이션 제작자는 무엇이 웃음을 유발하는지 알아야 합니다 - 왜 사물들이 사람들에게 재미있다고 호소하는가.

즉, 훌륭한 애니메이터는 다음과 같은 모든 특성을 결합합니다.

좋은 드로잉솜씨
캐리커처, 액션, 특징에 대한 지식
연기에 대한 지식과 감상.
개그를 생각하고 개그를 덮어쓰는 능력
스토리 구성 및 관객 가치에 대한 지식을 습득
그의 일과 관련된 모든 기계적이고 세밀한 일상에 대한 지식과 이해는 그가 이 선들을 따라 기술이 부족하여 매듭에 묶이지 않고도 다른 능력을 적용할 수 있게 해줍니다.

이 모든 것은 아직 초기단계이고, 단지 생각의 잡동사니일 뿐입니다. 하지만 제가 계획하는 것은 명절이 끝난 후에 모여서 이 계획들을 세세하게 해결하는 것입니다. 그리고 나서 우리는 애니메이터를 위해 드릴로 구멍을 뚫는(열심히 노력하는 사람들의 의미로 쓰인듯) 모든 사람들에게 윤곽을 따라 발전할 수 있는 기회가 주어지도록 노력해야 합니다.

저는 이 사업에 과학적인 접근법이 있다고 확신합니다. 그리고 저는 우리가 이 어린 친구들에게 그 사업을 가르치는 방법에 대해 우리가 할 수 있는 모든 것을 알아낼 때까지 포기해서는 안 된다고 생각합니다.

만화의 첫 번째 임무는 실제 일어나는 대로 실제 행동이나 사물을 상상하거나 복제하는 것이 아니라, 삶과 행동의 캐리커처를 제공하는 것입니다 - 관객의 상상력을 통해 흘러간 것들을 스크린에 그려 보는 것입니다. 우리 모두 살아 있는 동안 생각해왔던 환상과 상상력이죠.우리 삶의 다양한 형태로 그려졌습니다. 또한 오늘날과 같은 삶을 희화화하거나 오늘날 우리가 생각하는 것들에 대한 환상을 만드는 것입니다.

요점은 사람들에게 우리가 실제를 성취할 수 있도록 하는 것이 아니라, 환상적이고 비현실적이고 상상력이 풍부한 곳으로 갈 수 있는 근거를 가지고 있으면서도 그것이 보다 풍부한 진정성과 대중과의 접촉을 가질 수 있도록 하는 것입니다.

상당수의 사람들이 실제 운동을 연구해야 한다는 생각을 잘못 이해하고 있습니다. 그들은 단지 이것들을 복제하는 것이 우리의 목적이라고 생각합니다. 이 오해는 모두 해소되어야 합니다. 저는 확실히 우리가 진짜를 알지 않는 한, 진짜를 바탕으로 한 환상적인 일들을 할 수 없다고 느낍니다. 이 점은 모든 새로운 사람들, 그리고 심지어 나이든 사람들에게도 아주 분명하게 제시되어야 합니다.

코미디는 관객과 접촉해야 합니다. 우리 모두가 알고 있지만, 가끔 잊어버리기도 합니다. 접촉에 의해, 제 말은, 친숙하고 잠재의식적인 연관성이 있어야 한다는 것입니다. 어딘가에서, 혹은 어느 때, 청중들은 상상했던 상황을 느끼거나, 만나거나, 보거나, 꿈꿔왔습니다. 우리가 가졌던 최고의 개그와 관객들의 반응에 대한 연구는 그 행동이나 상황이 상상력이 풍부한 경험이나 직접적인 삶의 연결에 바탕을 둔 것이라는 것을 증명할 것입니다. 관객과의 접촉은 이런 뜻이에요. 액션이나 비즈니스가 연락이 끊기면 관객에게 어리석고 무의미해 집니다.

따라서, 캐리커쳐의 진정한 해석은 실제에 대한 환상의 과장 혹은 실제가 행동으로 옮겨지는 느낌입니다. 우리의 애니메이션에서 우리는 캐릭터의 행동이나 반응을 보여줄 뿐만 아니라, 그 캐릭터들의 느낌도 그 액션으로 그려야 합니다. 제 경험에 따르면 코미디의 가장 우스운 점은 항상 실제적인 것, 가능한 것, 또는 일어날 수 있는 것에 바탕을 두고 있다는 것입니다. 제가 방금 언급했던 아이디어들 뒤에, 그 아이디어는 모든 교육 단계에 통합될 수 있습니다. - 인생을 명확하게 그리는 것에서부터 작품의 기획과 준비까지.

저는 종종 왜 여러분의 인생 그림 수업에서, 여러분의 사람들이 모델을 보고 실제 스케치가 아닌 모델의 캐리커처를 그리게 하지 않는지 궁금합니다. 하지만 캐리커처를 실제 모델에 기초하여 좋은 형태로 그리도록 지시합니다. 저는 워드 킴볼이 만든 라이프 클래스의 모델 중 한 명을 약간 풍자적으로 묘사하는 것을 보았습니다. 그리고 저는 우리가 고려해야 할 일에 대한 접근법이 있다는 것을 깨달음을 얻었습니다. 왜 이 방법을 사용하는지 모르겠는데, 여러분은 필요를 끌어내는 데 필요한 모든 기초를 학급에게 줄 수 없고, 여전히 작품을 캐리커쳐의 발달과 결합시킬 수 없습니다.

조 그랜트 같은 사람을 데려다가 그가 캐리커처, 하포 캐리커처, 즉 그가 캐리커처를 만들려고 할 때 무엇을 보고 어떤 생각을 하는지 하룻밤 동안 강연을 하는 선에서 그와 함께 무엇을 해결할 수 있는지 알아보는 것이 좋을까요? 이 문제에 대해 조와 이야기를 나누는 것이 좋을지도 모릅니다.

저는 여러분과 함께 애니메이션의 기본 단계를 체계적으로 가르치는 시스템을 만들기 위해 지난 가을 일찍 시작했습니다. 그 당시 제 생각은 너무 직설적으로 진행되지는 않았어요. 그것은 코믹한 방법으로 다양한 걸음걸이는 보여주고 싶었기 때문입니다.

저는 여전히 이것이 매우 좋은 생각이라고 생각합니다. 그리고 젊은 사람들에게 상상력이 부족한 점을 바꾸기 위해 직설적인 것을 너무 많이 주는 것보다 훨씬 더 나은 접근법입니다. 이 코미디로, 여러분은 여전히 이 모든 행동의 기본을 그들에게 가르칠 수 있습니다.

예를 들어, 걷는 것을 들 수 있습니다. 왜 여러분은 직선 보행의 기본을 가르치면서도 직립 보행에 대한 과장이나 코믹한 해석을 하는 사람과 그것을 결합시킬 수 없을까요? 아마도 아주 기초적인 가르침의 경우, 솔직한 행동을 하는 것이 가장 좋을 것입니다. 하지만 그들이 진행하면서 약간의 경험을 쌓으면서 계속해서 직설적인 행동을 하는 것은 아닙니다. 액션의 코미디 각도나 캐리커처 각도로 들어가도록 시작하세요. 예를 들어, 뚱뚱한 사람, 배가 큰 사람입니다. 그가 당신에게 어떤 코미디 착각을 주나요?

동시에 그가 왜 특정한 방식으로 움직여야 하는지에 대해 강의할 수 있습니다(체중 등). 다음 사항에 대한 유용한 논의를 제시합니다.

냄비 껍질을 가진 뚱뚱한 그 사람이 당신이 그를 보는 것처럼 당신에게 어떤 환상을 줄까요?
당신은 그가 걸어가는 것을 보면서 어떻게 생각하나요?
그는 젤리 그릇처럼 보여요?
팔과 다리가 매달려 있는 부풀린 풍선처럼 보이나요?
롤리폴리처럼 생겼나요?

즉, 뚱뚱한 사람의 걸음걸이와 그가 그렇게 걷는 이유를 분석하세요.... 하지만 그 뚱뚱한 사람의 걸음걸이와 모든 등장인물로 표현될 수 있는 모든 코미디들을 이끌어낼 때까지 멈추지 마세요.

관절이 느슨하고 각진 어깨뼈가 드러나는 마른 사람을 예로 들어보세요. 그가 제안하는 것은 무엇일까요? 그는 걸어다니는 해골처럼 철사로 함께 매달려 있는 것처럼 보이나요? 그 사람 마리오네트처럼 보여요? 그는 바람에 날리는 허수아비처럼 보이나요? 어떤 착각이 그 깡마른 관절을 가진 사람의 걸음걸이, 움직임, 그리고 그 허상에 의해 만들어 졌을까요?

키가 작은 사람을 논할 때, - 다리가 짧으면 - 당연히 동작이 빠를 것이고 - 매우 빠르게 움직이는 것처럼 보일 것입니다 - 키가 큰 사람보다 두 배나 많은 걸음을 내딛어야 할 것이고, 따라서 그는 더 빠른 속도로 가는 것처럼 보일 것입니다. 그런 사람에게서 어떤 착각을 얻습니까? 작은 장난감이 바퀴를 타고 이리저리 뛰어다닐 때 그가 당신을 때리나요? 그는 작은 페키네즈 강아지처럼 생겼나요? 난쟁이요? 아니면 미겟으로 할까요?

이 토론에서 제기될 수 있는 많은 것들이 있습니다. 그래서 그들이 실제 애니메이션에 출연할 때, 그들은 단순한 기술자가 아니라 실제로 창조적인 사람들입니다.

다른 문제들에 대한 연구에서, 몸의 균형에 대한 연구처럼 형태와 행동의 과장을 더 많이 끄집어내는 것이 가능할까요? 과장된 지적까지 할 수 있을까요? 그것은 아마도 그들에게 더 강하게 만들어 줄 것입니다. 몸의 균형에 대한 필요성을 더 많이 깨닫게 할 것입니다. 그리고 그들이 벤딩과 같이 애니메이션에 입문할 때 어떻게 그것을 활용하여 사업을 강화할 수 있는지를 지적할 것입니다. 허리를 구부리는 사람에게 바지가 어떻게 뒤로 당겨지는지 보여줌으로써 그 행동에서 과장된 모습을 보여줄 수 있을까요? 코트가 어떻게 뒤로 쭉 펴지는지, 그리고 코트가 어떻게 펼쳐지는지 보여줄 수 있을까요?
소매가 당겨지고 팔이 소매 밖으로 쏠 때 거북이 목에서 튀어나오는 것 같습니까? 사람들에게 이 점을 더 강하게 보여주기 위해 우리는 무엇을 할 수 있을까요?

 리프팅에서, 예를 들어, 또는 기타 동작에서 우리는 애니메이션의 기초에 따라 운전해야 하며, 동시에 캐리커처를 통합해야 합니다. 누군가가 무거운 것을 들어올릴 때, 여러분은 무엇을 느끼나요? 여러분은 무언가가 금방이라도 부서져 떨어질 것 같다고 생각하나요? 여러분은 그가 받는 압박감 때문에, 그는 폭발할 것이고, 그의 얼굴은 보라색으로 변할 것이고, 그의 눈은 그들의 소켓에서 튀어나올 것이고, 팔의 장력이 너무 놀라울 것이라고 느끼나요? 다른 방식으로 상승하는 사람으로부터 어떤 느낌을 받습니까? 앉아서요? 누군가가 앉아 있을 때 - 그가 앉아서 휴식을 취할 때, 모든 바람이 그에게서 빠져나가는 것처럼 보이나요? 그는 아무것도 없는 헐렁한 가방처럼 보이나요? 그리고, 밀면서 말이죠... 밀어내는 동작의 범위에서, 선이 손끝에서 발뒤꿈치까지 바로 아래로 발사됩니다. 당길 때 스트레치 등을 보여줍니다. 이러한 다양한 행동의 캐리커처를 제시하면서 동시에 그 기본을 실천합니다.

신체의 다양한 표현들이 중요합니다. 애니메이터들은 애니메이션을 통해 몸의 위치를 파악하지 않고, 자세를 잡고 편안한 자세를 취하며 아무 것도 표현하지 않습니다. 그들은 움직이는 부품으로 모든 표현을 하려고 하는 반면, 몸은 그 안에 들어가야 합니다. 애니메이션에 몸이 들어가지 않으면, 다른 것들은 즉시 사라집니다. 예: 팔이 몸에 걸려 있지 않거나, 팔이 스스로 일하고 생각하는 것입니다. 저는 이 점을 발전시키기 위해 무언가 해결이 될 수 있다고 생각합니다. 만약 여러분이 어떤 사람을 스크린 뒤에 올려놓고 모델에게 불을 지르더라도 말이죠. 수업 시간에는 실루엣만 보도록 하고, 모델이 다른 자세를 취하도록 하고, 신체가 어떻게 행동의 표현에 들어가는지에 주목하도록 합니다. 아니면 사람들에게 보여줄 수 있는 행동을 사진으로 찍을 수도 있습니다. 이것에 대한 연구는 사람들이 작은 다듬기, 옷, 얼굴 표정, 그리고 사업을 넘기기 위한 것들에 의존하기 보다는 액션 그 자체인 대략적인 도면에서 이야기와 비즈니스를 끝내는 것의 가치를 깨닫게 하는 데 큰 도움이 될 것입니다.

만약 애니메이터들이 기초 작업을 제대로 한다면, 즉, 이 모든 트리밍 아래에서의 작용은 두 배의 효과가 있을 것입니다. 그것은 우리가 새로운 사람들과 나이든 사람들에게 깊은 인상을 심어줘야 하는 매우 중요한 포인트입니다.

우리가 사람들에게 육체를 통한 아이디어 표현과 관련된 모든 제안을 한 후에, 우리는 얼굴 표현의 가치, 즉 눈, 눈썹, 입의 사용, 그리고 그들의 눈 그리고 입 사이의 관계, 어떻게 표현하기 위해 때때로 눈과 입이 함께 일해야 하는지 - 그들이 독립적으로 일할 수 있는 지로 내려갈 수 있습니다.다른 때 표현하려고 애쓰죠 다시 말해서, 우리는 신체의 표현적 특징과 표현적 행동의 복합적인 사용을 할 것입니다. 그러면 한 사람을 다른 사람에게서 떼어놓고, 어떤 것이 가장 중요한지 알아보는 것이 좋을 것입니다.

우리는 준비와 계획에 관한 강좌를 들어야 합니다. 이 과정들은 우리의 더 성공적인 애니메이터들에 의해 주어질 수 있습니다.

또한 우리는 어떤 장면이나 비즈니스를 분석하는 방법을 작업하기 전에 보여줘야 합니다. 우리는 사람들이 행동을 시각화하는 방법을 그들의 마음 속에 보여줘야 합니다. 그래서 사람들이 액션의 애니메이션을 시작할 준비를 미리 하고 그들이 어떤 애니메이션을 일으킬지 완전히 알 수 있도록 말이죠. 그래서 많은 사람들이 지금 일을 시작하고, 그들이 그 장면을 시작할 때 무엇을 할지 전혀 알지 못합니다. 그들은 자신들이 무엇을 해야 하는지 알고 있지만, 그들이 계획적으로 앞서 나갈 수 있도록 체계적인 방법으로 그것을 분해할 수는 없습니다.

많은 사람들은 무엇이 사물을 움직이는지, 왜 움직이는지, 왜 움직이는지, 그리고 그 운동의 배후가 무엇인지 깨닫지 못하고 있습니다. 그 선에 따라 실제적인 분석과 기획의 예를 곁들인 강좌가 좋을 것 같습니다. 다시 말해, 대부분의 경우, 행동의 원동력은 분위기, 성격, 인물의 태도, 또는 세 가지 모두이다. 그러므로 마음은 조종사이다. 우리는 몸이 하기 전에 사물을 생각합니다. 우리는 또한 신경 등에 의해 정신으로 전보되는 자극에 대한 반응에 의해 순간적인 충동으로 일을 합니다. 또한 무의식적인 정신에 의해 수행되는 것들도 있습니다 - 반사, 반복, 본능을 통해 습관이 된 행동들. 즉 잠재의식적인 마음은 종종 가르칠 수도 있고 가르쳐지지 않았을 수도 있는 일들을 수행하는데 조수이며, 그 예로는 잠자고, 담배에 불을 붙이고, 아무 생각 없이 성냥을 던져 버리는 것, 휘파람 소리, 걷기, 달리기, 앉아 있는 것 등이 있다. 그런 행동들을 생각할 필요는 없습니다.

하지만 우리가 생각하는 어떤 행동들 - 우리가 의도적으로 계획하는 어떤 행동들 말입니다. 우리는 그것들을 우리의 마음속에서 매우 빠르게 계획합니다. 여기서 중요한 점은 등장인물이 자신이 무엇을 할 것인지를 알 때, 그는 각각의 개별적인 행동 전에 멈추고 그것을 할 생각을 할 필요가 없다는 것입니다. 그는 마음속으로 미리 계획을 세웠어요. 예를 들어, 마음이 생각한다고 말하세요. "내가 문을 닫고 잠궈야겠어. 그리고 옷을 벗고 잠자리에 들 거야." 자, 문 쪽으로 걸어가시면 - 산책이 끝나기 전에, 문을 닫기 전에, 열쇠를 찾으실 겁니다. 문이 닫히기 전에, 문을 잠그기 전에, 돌아서세요. - 걸어가고 있을 때, 넥타이를 풀고 있을 겁니다. - 그리고 사무실에 도착하기 전에 넥타이를 벗으세요. 다시 말해서, 여러분이 그것을 알기 전에, 여러분은 옷을 벗었습니다. 그리고 여러분은 한 가지 생각을 가지고 그것을 했습니다. "나는 잠자리에 들 것입니다."

사람들에게 많은 귀중한 점들이 등장인물을 한 점으로 가져가고, 그 행동을 완전히 완료한 다음, 첫 번째 행동을 완료한 후에야 비로소 생각난 것처럼 다음과 같은 행동으로 옮겨지는 것이 필요하지 않다는 것을 보여주는데서 나올 수 있었습니다. 행동의 예측은 중요합니다.

이것은 여러 가지 방법으로 애니메이션에 등장하며, 우리는 사람들이 사물을 제대로 시각화할 수 없기 때문에 앞으로 일어날 수 있는 많은 심각한 어려움을 겪고 있습니다.

음악에 대한 좋은 연구는 애니메이터에게 없어서는 안 될 것이라고 생각합니다. 즉, 음악이 얼마나 원시적인 것인지, 사람들이 음악으로 가고 싶어하는 것이 얼마나 자연스러운 것인지, 리듬에 대한 연구, 춤에 대한 연구, 매일 우리의 삶에 들어오는 다양한 리듬들 - 몸이 정말 얼마나 리드미컬한지 - 그리고 얼마나 균형 잡힌 몸인지에 대한 깨달음입니다. 그것 자체가 음악입니다. 다시 말하면, 그것은 몸 속의 음악일 수 있습니다. 우리는 춤을 춰요. 우리는 결코 배우지 않아도 리듬을 유지할 수 있어요. 아기가 춤을 추죠. 식인종들이 춤을 추죠. 하지만 화려한 춤이나 어떤 속임수라도 배워야 합니다. 인생에는 우리에게 자연스러운 리듬을 위해 하는 일들이 있습니다. 망치로 두드리는 것과 같은 동작이 얼마나 리듬이 있는지 보세요! 거기에는 이유가 있습니다. 그런 리듬이 있어야 합니다. 그렇지 않으면 그 동작을 완전히 할 수 없습니다. 또한, 판자를 톱질합니다. 좋은 리듬을 갖는 것이 얼마나 필요한지 보세요. 또한, 걷고 있습니다... 만약 당신이 리듬없이 걸었다면, 당신은 어디에서 얻을 것입니까? 여러분은 다음에 무엇을 해야 할지 항상 생각해야 할 거예요. 여러분은 자연스럽게 하는 대신에 리듬감 있게 걷는 것에 마음을 정해야 할 거예요.

자연적으로 몸은 매우 균형이 잘 잡혀 있습니다. 한 손이 무언가를 복용할 때, 다른 한 손은 그것에 대한 균형 역할을 합니다. 몸의 균형을 맞추는 것에는 여러 가지가 있습니다. 잠재의식적인 균형... 그럼에도 불구하고 애니메이터들은 그것을 모릅니다. 그들은 한 손으로 뭔가를 할 것입니다. 다른 한 손으로 무엇을 해야 할지 모르기 때문에, 그들은 그 손이 무엇을 해야 하는지 완전히 반대되는 어떤 것을 할 것입니다. 왜냐하면 그들은 균형이라는 기본 개념을 이해하지 못하기 때문입니다. 몸의 균형에 대한 이 생각은 신체의 표현의 개념과 관련이 있습니다. 만약 균형이 있다면, 그것은 신체가 하고 있는 것들에 대한 표현을 더합니다. 만약 여러분이 몸의 균형을 잡지 못한다면, 여러분의 표현은 틀리고, 불성실하며, 설득력이 없습니다. 이러한 개념들은 또한 중복되는 작용과 연관되어 있습니다.

다시 말해, 우리는 이 모든 기본 개념들을 서로 연관되고 상호의존적이며 서로 관련이 있다는 것을 보여줄 수 있고, 그것들을 다양한 방법으로 서로 묶어, 그들의 적용의 다른 조합을 보여줄 수 있습니다. 그래서 우리는 사람들의 마음을 더 자극할 것이고, 그들은 만약 그 방법이 그들에게 지적되지 않는다면 그들에게 결코 떠오를 수 없는 많은 것들을 생각하기 시작할 것입니다.

대화 공부도 하고 싶어요. 대화체의 표현과 리듬, 대화의 표현과 성격, 표현, 몸짓, 직접성, 눈 사용, 눈썹, 입, 입, 팔, 몸, 혀, 흡입과 내쉬기, 그리고 만화에 나오는 대화의 성공적인 화상과 관련이 있는 여러 가지 다른 측면들에 대한 코스를 준비하고 싶습니다. 우리가 이런 것을 조직해서 새해 첫 날부터 바로 시작할 수 없는지 알아보죠.

 

---

 

 

Transcript
WALT DISNEY PRODUCTIONS
INTER-OFFICE COMMUNICATION

DATE DECEMBER 23, 1935
TO DON GRAHAM
FROM WALT

Right after the holidays, I want to get together with you and work out a very systematic training course for young animators, and also outline a plan of approach for our older animators.

Some of our established animators at the present time are lacking in many things, and I think we should arrange a series of courses to enable these men to learn and acquire the things they lack.

Naturally the first most important thing for any animator to know is how to draw. Therefore it will be necessary that we have a good life drawing class. But you must remember Don, that while there are many men who make a good showing in the drawing class, and who, from your angle, seem good prospects – these very men lack in some other phase of the business that is very essential to their success as animators.

I have found that men respond much more readily to classes dealing with practical problems than to more theoretic treatment. Therefore I think it would be a very good idea to appeal to these men by conducting these classes with the practical approach in mind. In other words, try to show in these classes that the men can make immediate practical application of what they are being taught.

The talks given by Fergy, Fred Moore, Ham Luske, and Fred Spencer, have been enthusiastically received by all those in attendance. Immediately following these talks, I have noticed a great change in animation. Some men have made close to 100% improvement in the handling and timing of their work. This strikes me as pointing a way toward the proper method of teaching in the future.

The following occurs to me as a method of procedure:

Take the most recent pictures – minutely analyze all the business, action, and results, using the better pieces of animation as examples going thru the picture with these questions in mind:

1. What was the idea to be presented?
2. How was the idea presented?
3. What result was achieved?
4. After seeing this result – what could have been done to the picture from this point on, to improve it?

Encourage discussion on the part of the men present; if possible, have some of the animators over to talk to them about the problems they were confronted with in the picture, and what the animator himself would do if he had the chance to do the animation over.

I believe these classes could be combined for presentation to all the animators, young and old as well.

It wouldn’t be bad if you made up a list of the qualifications of an animator in order of importance. Then all these men could see what it takes to be an animator, and could check on themselves to see how nearly they approach the desired perfection.

The list should start with the animators ability to draw; then, ability to visualize action, breaking it down into drawings and analyze the movement the mechanics of the action. From this point, we would come to his ability to caricature action – to take a natural human action and see the exaggerated funny side of it – to anticipate the effect or illusion created in the mind of the person viewing that action. It is important also for the animator to be able to study sensation and to feel the force behind sensation, in order to project that sensation. Along with this, the animator should know what creates laughter – why do things appeal to people as being funny.

In other words, a good animator combines all these qualities:

Good draughtsmanship
Knowledge of caricature, of action as well as features.
Knowledge and appreciation of acting
Ability to think up gags and put over gags
Knowledge of story construction and audience values
Knowledge and understanding of all the mechanical and detailed routine involved in his work, in order that he may be able to apply his other abilities without becoming tied up in a knot by lack of technique along these lines.

This is all very rough – just a jumble of thoughts – but what I plan is that we get together after the holidays, as suggested above, and really get these plans worked out in detail. Then we should strive to see that all the men whom we are drilling for animators, are given the chance to develop along the lines outlined.

I am convinced that there is a scientific approach to this business, and I think we shouldn’t give up until we have found out all we can about how to teach these young fellows the business.

The first duty of the cartoon is not to picture or duplicate real action or things as they actually happen – but to give a caricature of life and action – to picture on the screen things that have run thru the imagination of the audience to bring to life dream fantasies and imaginative fancies that we have all thought of during our lives or have had pictured to us in various forms during our lives. Also to caricature things of life as it is today – or make fantasies of things we think of today.

The point must be made clear to the men that our study of the actual is not so that we may be able to accomplish the actual, but so that we may have a basis upon which to go into the fantastic, the unreal, the imaginative – and yet to let it have a foundation of fact, in order that it may more richly possess sincerity and contact with the public.

A good many of the men misinterpret the idea of studying the actual motion. They think it is our purpose merely to duplicate these things. This misconception should be cleared up for all. I definitely feel that we cannot do the fantastic things, based on the real, unless we first know the real. This point should be brought out very clearly to all new men, and even the older men.

Comedy, to be appreciated, must have contact with the audience. This we all know, but sometimes forget. By contact, I mean that there must be a familiar, sub-conscious association. Somewhere, or at some time, the audience has felt, or met with, or seen, or dreamt, the situation pictured. A study of the best gags and audience reaction we have had, will prove that the action or situation is something based on an imaginative experience or a direct life connection. This is what I mean by contact with the audience. When the action or the business loses its contact, it becomes silly and meaningless to the audience.

Therefore, the true interpretation of caricature is the exaggeration of an illusion of the actual; or the sensation of the actual put into action. In our animation we must not only show the actions or reactions of a character, we must picture also with the action the feelings of those characters. My experience has shown me that the most hilarious of comedies is always based on things actual, possible, or probable. That idea, behind the things I just mentioned above, can be incorporated in every stage of instruction – from the life drawing clear on thru to the planning and staging of the work.

I have often wondered why, in your life drawing class, you don’t have your men look at the model and draw a caricature of the model, rather than an actual sketch. But instruct them to draw the caricature in good form, basing it on the actual model. I noticed a little caricature of one of the models in the life class made by Ward Kimball, and it struck me that there was an approach to the work that we should give consideration. I don’t see why using this method, you can’t give the class all the fundamentals of drawing the need and still combine the work with the development of a sense of caricature.

Would it be a good idea to take a man like Joe Grant and see what could be worked out with him along the lines of giving a talk some night on an approach to caricature, a Harpo caricature – what he sees and what he thinks about when he is trying to make a caricature. It might be advisable to have a talk with Joe on this.

I started out early last fall to work out some sort of system with you for teaching elementary phases of animation in a systematic way. My thought at that time was not to go too straight. That’s why I wanted to get somebody to demonstrate various walks in a comic way.

I still think this is a very good idea, and constitutes a far better approach for the younger men than giving them too many straight natural things that direct their minds to the unimaginative end of the business. It is possible that with the comedy, you can still teach them the fundamentals of all these actions.

Take for example, the walk. Why can’t you teach the fundamentals of a straight walk yet combine it with some person that is giving an exaggeration or a comic interpretation of a straight walk. Perhaps for very elementary instruction, it might be best to present straight action; but not to keep giving them straight action as they progress and gain a little experience... Start them going into the comedy angle or caricature angle of the action. For example – a fat person, with a big pot belly: What comedy illusion does he give you?

You could at the same time instruct the classes regarding the reason why he has to move a certain way (because of his weight, etc.) Present the walk soliciting discussion on:

What illusion does that person, fat with pot-belly, give you as you see him?
What do you think of as you see him walking along?
Does he look like a bowl of jelly?
Does he look like an inflated balloon with arms and legs dangling?
Does he look like a roly-poly?

In other words, analyze the fat person's walk and the reasons for his walking that way.... BUT DON’T STOP UNTIL YOU’VE HAD THE GROUP BRING OUT ALL THE COMEDY THAT CAN BE EXPRESSED WITH THAT FAT PERSON’S WALK; also all the character – but drive for the comedy side of the character.

Take a skinny person – somebody that’s loose jointed, angular, shoulder blades showing – what does he suggest? Does he look hung together with wires like a walking skeleton? Does he look like a marionette flopping around? Does he look like a scarecrow blowing in the wind? What illusion is created by the walk, by the movement, of that skinny loose-jointed person?

In discussing a short person, with short legs – he would naturally have quick movements – seems to move very fast – would have to take twice as many steps as a taller person, thus making him look as if he were going at a greater speed. What illusion do you get from a person like that? Does he strike you as a little toy wound up and running around on wheels? Does he look like a little Pekinese pup? A dwarf? or midget?

There are a number of things that could be brought up in these discussions to stir the imagination of the men, so that when they get into actual animation, they’re not just technicians, but they’re actually creative people.

In the study of other problems, is it possible to bring out more the exaggeration of form and action – as in the study of the balance of the body? Can we bring that out even to an exaggerated point? It will probably make it stronger to them – make them realize more the necessity of that balance of the body – and yet point out how they can utilize that to strengthen their business when they get into animation, as in bending. In someone bending over – can we show the exaggeration in that action by showing how the pants pull up in back to an exaggerated degree that becomes comical? Can we show how the coat stretches across the back, and the
sleeves pull up and the arms seem to shoot out as from a turtle-neck as they shoot out of the sleeves? What can we do to bring these points out stronger to the men?

In lifting, for example – or other actions – we should drive at the fundamentals of the animation, and at the same time, incorporate the caricature. When someone is lifting a heavy weight, what do you feel? Do you feel that something is liable to crack any minute and drop down? Do you feel that because of the pressure he’s got, he’s going to blow up, that his face is going to turn purple, that his eyes are going to bulge out of their sockets, that the tension in the arm is so terrific that he’s going to snap? What sensations do you get from someone rising – different ways of rising? Sitting? When somebody is sitting – when he sits down and relaxes, does it look as if all the wind goes out of him? Does he look like a loose bag of nothing? Also, in pushing... in the extremeness of a push, the line shoots right down from the fingertips clear down to the heel. In pulling – show the stretch, and all that. Bring out the caricature of those various actions, at the same time driving at the fundamentals of them – the actual.

The various expressions in the body are important. The animators go thru animation and don’t make the positions of the body – hold positions and relaxed positions – express anything. They try to do all the expression with the parts that are moving, whereas the body should enter into it. Without the body entering into the animation, the other things are lost immediately. Examples – an arm hung on to a body it doesn’t belong to, or an arm working and thinking all by itself. I think something could be worked out to develop this point, even if you got a person up behind a screen, a model perhaps, and threw a light on them. Have the class do nothing but watch the silhouette as the model goes thru different poses, noting how the body enters into the expression of an action. Or we could photograph the action to show to the men. The study of this would be a big help toward making the men realize the value of getting the story and the business over in the rough drawings that is the action itself, rather than depending on little trimmings, on the clothes, facial expressions, and things like that to put over the business.

If the animators get the groundwork right, that is, the action underneath all these trimmings right – then what they add is going to be twice as effective. It’s a very important point that we must impress on the new men and the older men.

After we have given the men all the suggestions we can that have to do with expressing ideas through the body, then we can come down to the value of the facial expression – the use of the eyes, eyebrows, the mouth – their relation to one another – how the eyes and the mouth have to work together sometimes for expression – how they may work independently for expression at other times. In other words, then we would go into the combined use of expressive features and expressive actions of the body. Then it would be good to take one away from the other, and see which is the most important.

We should have courses in staging and planning. These courses can be given by some of our more successful animators.

Also we should try to show how to analyze a scene or piece of business before starting to work on it. We should try to show the men ways of visualizing action in their minds, breaking the action so that the men are prepared in advance to begin animation of the action and know thoroughly what they are going to animate. So many of the men start in now and have no idea what they’re going to do when they start the scene. They know what they’re supposed to do, but they can’t break it down in a systematic way that will enable them to go knowingly ahead.

Many men do not realize what really makes things move – why they move – what the force behind the movement is. I think a course along that line, accompanied by practical examples of analysis and planning, would be very good. In other words, in most instances, the driving force behind the action is the mood, the personality, the attitude of the character – or all three. Therefore, the mind is the pilot. We think of things before the body does them. We also do things on the spur of the moment by reaction to stimuli that are telegraphed to the mind by the nerves, etc. There are also things carried out by the subconscious mind – reflexes, actions that have become habit through repetition, instincts. In other words, the subconscious mind is an assistant often times in carrying out things that may or may not have been taught, Examples of that are sleeping, lighting a cigarette and throwing a match away without any thought, whistling, walking, running, sitting, etc. It’s not necessary to think of those actions.

But certain actions we do think about – certain actions we deliberately plan. We plan them very quickly in our mind. The point to bring out here is that when a character knows what he’s going to do, he doesn’t have to stop before each individual action and think to do it. He has planned in advance in his mind. For example – say the mind thinks, "I’ll close the door – lock it – then I’m going to undress, and go to bed." Well, you walk over to the door – before the walk is finished, you’re reaching for the door ... before the door is closed, you reach for the key ... before the door is locked, you’re turning away – while you’re walking away, you’re undoing your tie – and before you reach the bureau, you have your tie off. In other words, before you know it, you’re undressed – and you’ve done it with one thought, "I’m going to go to bed."

A lot of valuable points could be brought out to the men in showing them that it is not necessary for them to take a character to one point, complete that action completely, and then turn to the following action as if he had never given it a thought until after completing the first action. Anticipation of action is important.

This enters into animation in many ways and we have many serious difficulties coming up because of the men’s inability to visualize things in the proper way.

I think a good study of music would be indispensable to the animator – a realization on their part of how primitive music is, how natural it is for people to want to go to music – a study of rhythm, the dance – the various rhythms that enter into our lives every day – how rhythmical the body really is – and how well balanced the body really is. That, in itself, is music. In other words, it could be music in the body. We dance – we can keep time to rhythm without ever being taught – a baby does it – cannibals do it. But fancy dancing or any trick stuff, we have to learn. There are things in life that we do to rhythm that come natural to us. Notice how rhythmic an action like pounding with a hammer is! There’s a reason for that. You must have that rhythm or you can’t carry out that action completely. Also, sawing a board. See how necessary it is to have a good rhythm for that. Also, walking ... if you walked without rhythm, where would you get? You’d have to be thinking all the time what to do next. You’d have to set your mind to walking rhythmically, instead of doing it naturally.

Naturally the body is very well balanced. When one hand dose something, the other serves as a balance to it. There are various things that combine balance in the body – subconscious balance ... and yet the animators do not know it. They will do something with one hand – they don’t know what to do with the other, so they will do something entirely contrary to what that hand should be doing, because they don’t understand the basic concept of balance. This idea of balance of the body ties in with the idea of expression of the body. If there is balance, it adds expression to the things that the body is doing. If you don’t have that balance of the body, then your expressions are wrong, insincere, unconvincing. Those concepts also tie in with overlapping action.

In other words, we could work out all these basic concepts in such a way as to show them all related, interdependent, and have to do with each other, and we could tie them together in various ways, showing different combinations of their application. We will thus stir up the men’s minds more, and they will begin to think of a lot of these things that would never occur to them otherwise if the way weren’t pointed out to them.

I’d like also to have a study of dialog. I want to prepare a course on dialog – phrasing and rhythm of dialog, moods and character of dialog, expressions, gestures, directness, use of the eyes, eyebrows, mouth, head, arms, body, tongue, inhalation and exhalation, and various other aspects that have to do with the successful picturization of dialog in the cartoon. Let’s see if we can’t organize something like this and get it going right after the first of the year.